Falls Sie es nicht bemerkt haben, ist Los Angeles voller Ausstellungsräume. LACMA beherbergt 100.000 Kunstwerke und ist damit das größte Museum im Westen der USA. Das Museum wurde 1965 eröffnet und konzentriert sich auf die Weite der Kunstgeschichte und der Welt. Wo soll man anfangen? Wir stellen zehn sehenswerte Werke bei LACMA vor.
Weinende Frau mit Taschentuch (1937) von Pablo Picasso
Picasso malte dies 1937 in Spanien, nachdem er sein berühmtes Werk Guernica fertiggestellt hatte, das aus Protest gegen den spanischen Bürgerkrieg war. Danach verlagerte Picasso seinen Malstil auf den Surrealismus, malte aber weiterhin häufig die weinende Frau. Die gefangene Frau stellt nicht nur seine persönlichen Turbulenzen dar, viele glauben, dass es sich um ein Porträt seiner Geliebten und Geliebten Dora Maar handelt, sondern stellt auch ein Opfer des Krieges dar - eine Frau und Mutter, die durch Zerstörung in Qualen zurückgelassen wurden. Das Gemälde ist unglaublich kraftvoll und regt zum Nachdenken an. Das Museum zeigt eine Vielzahl von Picassos Werken aus verschiedenen Epochen, sodass Sie die Sammlung dieses großen Künstlers erkunden können.
Foto von Daren DeFrank
Shiva als Herr des Tanzes (ca. 950–1000) von Tamil Nadu
Shiva der Zerstörer und Restaurator ist einer der drei hinduistischen Götter. Zu den anderen gehören Brahma, der Schöpfer, und Vishnu, der Erhalter. Shiva ist in ganz Südindien weit verbreitet und wird dort verehrt. Shiva ist auch als Schutzgott des Yoga und des kosmischen Tanzes bekannt, der das Universum in kontinuierlichen rhythmischen Zyklen erschuf. In dieser Darstellung tanzt Shiva um eine Flamme, die von einem Lotussockel aufsteigt, der von vielen als Symbol der Schöpfung angesehen wird. Die Skulptur ist zum Symbol der indischen Zivilisation geworden. Die Arbeit fängt Shivas Gnade und göttliche Einheit ein. Die Skulptur befindet sich im vierten Stock des Ahmanson-Gebäudes. Bei näherer Betrachtung ist leicht zu erkennen, welche bedeutende Bedeutung diese Skulptur für die indische Kultur hatte und warum das Stück auf der ganzen Welt gefeiert wird.
Foto von Daren DeFrank
Wrestlers (1899) von Thomas Eakins
Dieses Gemälde ist in der Galerie leicht zu finden, da es ganz einfach Ihre Aufmerksamkeit erfordert. Plötzlich sind Sie so fasziniert von dem starken Bild, dass es schwer ist, wegzuschauen. Eakins gilt als einer der großen realistischen amerikanischen Maler des neunzehnten Jahrhunderts, und es ist leicht zu verstehen, warum. Das Bild sieht so aus, als würde es vor Ihnen mit zwei Wrestlern stattfinden, die in einem Match miteinander verflochten sind. Das Ziel vieler seiner Werke war es, den „Heldentum des modernen Lebens“ einzufangen, und er verbrachte oft Stunden damit, diese Momente zu schaffen. Er hatte oft zwei Athleten, die um ihn rangen und dann herausfanden, welche Position er stilistisch am interessantesten fand. Dieses Gemälde ist auch sein letztes fertiggestelltes zum Thema der menschlichen Form und wurde gegen Ende seiner Karriere fertiggestellt. Es wird angenommen, dass es repräsentativ für seine eigenen Frustrationen mit dem Leben ist. Das Gemälde ist sicherlich beeindruckend. Wer hätte gedacht, dass das Ringen mit seinen Dämonen so schön sein kann?
Foto von Daren DeFrank
Drei Quintains (1964) von Alexander Calder
Diese Skulptur ist nicht nur für die Gestaltungselemente in Alexander Calder's Three Quintains einzigartig, sondern auch, weil das Stück für das Museum geschaffen wurde. Vor der Eröffnung des Museums wurde ein Komitee gebildet, um eine Brunnenskulptur für den Standort zu erwerben. Das Museum bot Calder den Auftrag an, der im Juni 1964 zustimmte. Laurelle Burton, die zu dieser Zeit Präsidentin des Art Museum Council war, sagte: „Einen Mann von Alexander Calder zu haben, ist der erste, der eine Skulptur speziell entwirft denn das neue Museum würde die Maßstäbe für zukünftige Bemühungen der Künstler und Spender setzen. ' Der Brunnen besteht aus einfachen geometrischen Formen, die für Calder charakteristisch sind und in der Luft schweben und von Wasserstrahlen angetrieben werden. Das Stück ist eine der wenigen Brunnenskulpturen, die Calder jemals geschaffen hat. Die Arbeiten sind permanent im Roundtable Garden des Direktors ausgestellt.
Blumentag (Dĩa de Flores) (1925) von Diego Rivera
Diego Rivera braucht sicherlich keine Einführung. Seine Gemälde in verschiedenen Medien, darunter Aquarell und Öl, sind weltbekannt. Dieses Gemälde ist ein Muss! Im Mittelpunkt des Gemäldes steht der Verkäufer von Callalilien. Die Blumen werden von oben betrachtet, was eine einzigartige Perspektive darstellt. Interessant ist auch die Komposition des Stücks, da die Figuren einen blockartigen Stil haben, eine Technik, die Rivera zu Beginn seiner Karriere aus seiner kubistischen Malerei herausgearbeitet hat. Nach dem ersten Platz in der ersten panamerikanischen Ausstellung für Ölgemälde im Jahr 1925 wurde es von der Mutterinstitution von LACMA, dem Los Angeles Museum für Geschichte, Wissenschaft und Kunst, erhalten.
Diego Rivera Blumentag © Joaquin Martinez / Flickr
Fliese mit blätternder Blumenarabeske (ca. 15. Jahrhundert), Großiran
Dieses Keramikstück ist Teil der LACMA-Ausstellung Islamic Art Now - Teil 2 und stammt aus dem 15. Jahrhundert. Die gesamte Ausstellung konzentriert sich auf die Mischung aus vergangener und gegenwärtiger Kunst in einer Vielzahl von Medien und Themen. Diese Kachel gehört zur timuridischen Herrschaft im Iran und in Zentralasien. Die von den Timuriden gesponserten Gebäude sind oft mit dekorativen Fliesen wie diesem geschmückt. Teile der Fliese wurden aus verschiedenen Fliesensätzen mit einer Reihe verschiedener Farben geschnitten, um ein Mosaik zu erstellen, das zusammen mit anderen ein komplexes Design an der Außenseite der Strukturen erstellt. Das Auffälligste an diesem Stück ist, dass trotz des Alters und der Abnutzung der Fliesen die Farben der Zeit immer noch lebendig bleiben.
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- Fliesen © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) von René Magritte
Dieses Gemälde gilt nicht nur als eines der surrealistischen Meisterwerke von René Magritte, es gilt auch als Ikone der modernen Kunst. Der Surrealismus war ein Kunststil, der seine Einflüsse stark von der Freudschen Psychologie bezog. Es symbolisierte eine Reaktion gegen den "Rationalismus", von dem viele glaubten, dass er zum Ersten Weltkrieg beitrug. Seine Wort-Bild-Gemälde sind seine Beispiele für die Unmöglichkeit, Wörter mit Bildern und Objekten zu kombinieren. Magritte hatte sowohl in der Werbung als auch als Künstler gearbeitet, und das Gemälde wirkt zunächst simpel - es verkauft fast die in dem Stück abgebildete Pfeife. Unter den Worten "Dies ist keine Pfeife" steht jedoch zunächst Verwirrung. Das komplexe Element ist, dass ein Gemälde einer Pfeife eigentlich keine Pfeife selbst ist, sondern lediglich eine Darstellung einer Pfeife. Seine Verwendung von Text in seinen Gemälden beeinflusste eine Generation konzeptorientierter Künstler, darunter Jasper Johns, Roy Lichtenstein und Andy Warhol.
Foto von Daren DeFrank
Stillleben mit Kirschen und Pfirsichen (1885-1887) von Paul Cézanne
Paul Cézanne gilt als einer der legendären postimpressionistischen Maler des 19. Jahrhunderts. Seine Bilder umfassen eine Vielzahl von Themen, von Landschaften über Porträts bis hin zu Stillleben. Seine ikonischen Gemälde verschiedener Tischdekorationen sind in und außerhalb der Kunstwelt sofort erkennbar. Cézanne verwendete lebendige Farben und Pinselstriche, um die Intensität der Bilder zu erfassen, was in diesem Gemälde beispielhaft dargestellt wird. Die Sichtweisen im Bild sind vielfältig. Die Kirschen werden von einem oberen Brennpunkt aus betrachtet, während die Pfirsiche trotz ihrer Nähe eher in Richtung eines Seitenwinkels betrachtet werden. Das Glas und die Folie begleiten das Gedeck und sind realistisch und gleichzeitig abstrakter, was typisch für den Postimpressionismus ist. Dieses Stück ist ein klassisches Beispiel für den faszinierenden Stil von Cézanne und ein eigenständiges Gemälde, das man gesehen haben muss.
Foto von Daren DeFrank
Kalte Schulter (1963) von Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein gehört zu einer Gruppe von Künstlern, die kommerzielle Bilder in ihren Arbeiten verwendet und transformiert haben. Diese Stile wurden als Pop Art bekannt und kamen in den 1960er Jahren in Mode. Die Verwendung von kräftigen Farben und Linien erzeugt Comic-Bilder. Die präzise Zeichnung liegt auch flach auf der Leinwand, ohne die Bemaßung zu verwenden. Auch die Gegenüberstellung des Textes in dem Stück "Hallo" mit der nach hinten gerichteten Frau schafft eine interessante Dynamik. Lichtenstein verwendet den als Ben-Day-Punkte (Drucker) bekannten Stil, einen mechanisierten Prozess, der bei der Herstellung von Comics verwendet wird, und kreiert die Haut der Frau mit einer handgefertigten Interpretation der Technik.
