Während der Westen begonnen hat, die künstlerischen Fähigkeiten Afrikas zu erkennen, rahmen viele von der Kolonialzeit geschaffene Stereotypen Afrika weiterhin als ahistorisch und exotisch ein, was für die Afrikanerin besonders schädlich ist. Heute stellen viele afrikanische Künstlerinnen, die in der Diaspora gelebt und gearbeitet haben, diese fiktiven, bedrückenden Wahrnehmungen ihrer verschiedenen afrikanischen Länder und ihres Körpers durch ihre Kunst in Frage. Hier sind fünf Künstlerinnen aus der Diaspora, über die Sie auf jeden Fall mehr wissen sollten.
Wangechi Mutu - Histologie der verschiedenen Klassen von Uterustummeln (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu wurde in Nairobi, Kenia, geboren und verbrachte ihre Bachelor-Karriere in Wales bei Cooper Union, bevor sie in die USA auswanderte, wo sie ihren MFA in Yale erwarb. Heute lebt und arbeitet sie in New York. Schon in jungen Jahren war Mutu der Frage ausgesetzt, wie die westliche Welt Kenia zu einem namenlosen Teil des größeren Afrikas vereinfachte, das aus Safari und traditionellen „Stämmen“ bestand. Sie spricht dieses und andere postkoloniale Themen in ihrer Arbeit an, wobei ihre Fotomontagen am bekanntesten sind. Sie kombinieren Tinte, Acryl und manchmal Glitzer und Perlen mit Bildern aus Reisemagazinen, Pornografie, Autozeitschriften und Werbung, um neue menschliche Figuren zu bilden. Die endgültigen Bilder, wie die von Misguided Little Unforgivable Hierarchies (2005) und The Bride Who Married the Camel (2009), sind hell und intensiv, schön, aber auch nervig. Die Originalbilder haben individuelle Kontexte und rufen unterschiedliche Konnotationen hervor. Zusammen mit Mutu repräsentieren sie jedoch das koloniale Erbe, wie der Westen den afrikanischen Kontinent als "primitiv" wahrnimmt, sowie die hypersexuelle Objektivierung des afrikanischen weiblichen Körpers. Die Schönheit und Verrücktheit zieht den Betrachter an, während die Detailfrauen, die aus Tierköpfen, Gebärmutterhalsdiagrammen, Motorrädern und den exponierten Oberkörpern eines Playboy-Modells bestehen, die westliche Vorstellungskraft herausfordern und stören, die die afrikanische Kultur und den afrikanischen Körper exotisiert und objektiviert.
Mixed Media Painting - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer wurde in Kairo geboren und erhielt 1989 ihren MFA in Malerei von Villa Arson EPIAR. Obwohl Amer sich hauptsächlich als Malerin bezeichnet, umfasst und kombiniert ihre Arbeit mehrere Medien. Vor allem verwendet sie Stickerei und Gartenarbeit, Arbeit, die normalerweise als häuslich und weiblich eingestuft wird und oft eher als Hobbys als als Kunst angesehen wird. Indem Amer das akzeptierte Kunstmedium der Farbe mit diesen „weiblichen Aktivitäten“ zusammen mit ihren oft erotischen Darstellungen des weiblichen Körpers verschmilzt, stellt er die Vorstellungen von weiblich gegen männlich, von Verlangen und Liebe in Frage. Sie hinterfragt die gesellschaftlichen Erwartungen der reinen, jungfräulichen Figur, die mit der Objektivierung und Sexualisierung des weiblichen Körpers kollidieren. In Werken wie And the Beast (2004) und Knotty but Nice hinterfragt sie das Verhältnis von Moral und Verurteilung des Körpers der Frau. In And the Beast (2004) zeigt Amer die Selbstaufopferungsfigur von Bell und anderen Disney-Prinzessinnen, die mit Acryl und Stickerei auf Leinwand masturbieren, was die Befreiung von Figuren fordert, die früher für ihr moralisches Verhalten aufgehalten wurden, das in ihrer Liebe zu a Mann - ohne sexuelles Verlangen. Sie macht sie menschlicher und gibt Mädchen gesündere Vorbilder.
Ato Malinda Installation © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda ist eine Performancekünstlerin, die in den Niederlanden, den USA und Kenia aufgewachsen ist. Obwohl sie außerhalb ihrer Nation aufgewachsen ist, arbeiten viele ihrer Auftritte in einem kenianischen oder breiteren afrikanischen Kontext. Viele ihrer Arbeiten befassen sich mit postkolonialer Politik im Land, wie beispielsweise Mshoga Mpya (Der neue Schwule in Kiswahili) (2014), der auf die Illegalisierung der Homosexualität in Kenia reagiert. In der Aufführung befindet sich Malinda in einer schwarzen Kabine, die jeweils nur ein Betrachter betreten kann. Dort stützt sie sich auf die gesammelten Geschichten der Queer in Nairobi. Die Intimität bewahrt die Privatsphäre der anonymen Stimmen und ermöglicht gleichzeitig die Diskussion über diejenigen, die oft gewaltsam zum Schweigen gebracht werden. Viele andere Arbeiten konzentrieren sich auch auf afrikanische Seltsamkeit, wie ihre Performance Mourning a Living Man (2013), die spezifisch für ihr dysfunktionales Elternhaus ist, aber auch über größere Themen wie geschlechtsspezifische Performativität und sexuellen Missbrauch durch den Einsatz von Farbe spricht. Sprache und häusliche Aktivitäten pervers gemacht. In beiden Stücken hebt sie die lokalen Stimmen des Feminismus und der LGBTQ-Gemeinschaft hervor und gibt diesen Geschichten, die vom weißen Feminismus des Westens überschattet werden, eine Plattform. Die Art und Weise, wie das Publikum oft gezwungen ist, mit dem Künstler zu interagieren, und der Raum der Aufführung verbinden das Publikum physisch mit den dargestellten menschlichen Erfahrungen.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp ist eine produktive nigerianische Bildhauerin aus Buguma, die am California College für Kunst und Handwerk in Oakland, an der Central School für Kunst und Design und am Royal College of Art in London studierte, wo sie derzeit lebt. Ihre Skulpturen zeigen oft Maskeraden, Geister oder Priesterinnen von Kalabari (der Stadt, aus der Douglas Camp stammt). Hergestellt aus Stahl und anderen gefundenen Materialien wie Dosen, Seilen und Federn, verbindet sich und repräsentiert ihre Wurzeln in diesen Figuren. Douglas Camps Skulpturen, die einem internationalen Publikum ausgestellt werden, arbeiten daran, die heilige Rolle der Masken der Maskerade, die oft isoliert in Museen ausgestellt werden, neu zu kontextualisieren. Ihre Arbeiten sprechen speziell Nigeria und die Kalabari an. Als Frau darf sie niemals die Maskerade machen, da dies ausschließlich die Rolle des Mannes in der Gesellschaft ist. Durch die Herstellung dieser Aufführungsformen beteiligt sich Douglas Camp an der Maskerade auf einer Ebene, die ihr und anderen Frauen verweigert wird. Auch das Schweißen ist typischerweise die Position eines männlichen Handwerkers. In einem doppelten Sinne hat sie die ihr durch die Tradition auferlegten Geschlechtergrenzen immer wieder in Frage gestellt. In größerem nationalen Maßstab befasste sich Douglas Camp mit dem Mord an Ken Saro-Wiwa durch die nigerianische Regierung. Douglas Camp, eine gewaltfreie Aktivistin gegen die Royal Dutch Shell Company und das Fehlen von Umweltvorschriften durch die Regierung, betrachtete seinen Tod als nationale Schande und vertrat ihn in ihrer Arbeit Alagba in Limbo (1998), in der die Maskerade Alagba dargestellt wird beschämend getragen von zwei Männern, deren Gesichter Qualen ausdrücken.
Fotografie von Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
