Die britische Band Muse erobert die Welt im Sturm und ist als einer der größten Live-Acts aller Zeiten bekannt geworden. Rajiv Mahabir untersucht den Erfolg der Band und ihre Verschmelzung von Erbe und Innovation und stellt die Frage, ob Muse zu einem modernen Klassiker geworden ist.
Vierzehn Jahre nach ihrem Debütalbum Showbiz hat das Devon-Trio Muse ein tiefes musikalisches Erbe mit einer innovativen Interpretation moderner musikalischer Trends kombiniert. Der Effekt ist von großem Zweck. Es zeigt eine Stärke und einen Klassizismus, die aus ihrem Individualismus hervorgehen. Mit Reflexionen des in der griechischen Mythologie gefundenen Epos und der Ideale der Moderne in ihrer Musik trägt diese Idee die Vorstellung, warum wir Muse in zukünftigen Epochen als "Klassiker" bezeichnen könnten. Man muss sich jedoch fragen, wie Muse den Grenzen und Trends der Musikszene entkommen ist, aus der sie hervorgegangen sind.
Um das Erbe von Muse zu bestimmen, sollten wir uns den Kontext ihrer Entstehung ansehen. In Inside the Muscle Museum stellt Ben Myers dies als Post-Nirvana dar; wo Grunge und Chart Rock ein Loch in ernsthafter, herzlicher Musik hinterlassen hatten. Auch nach dem frühen Tod eines der vielversprechendsten neuen Talente der Musik, Jeff Buckley, wo das Singer-Songwriting gerade erst wieder zu blühen begann, hatte die Musik zwei der besten Musiker und Sänger verloren, die seit Jahrzehnten aufgetaucht waren. Auf dem Weg zum Brit-Pop und der neuen Welle des Dance-Pop gab es in der britischen Musikszene einen offenen Raum für etwas anderes.
Geben Sie Matthew Bellamy mit seinen blasigen eigenwilligen hohen "waa" und unterscheidbaren Vibrato-Klagen. Muses Sound schwebte nahtlos zwischen bombastischen und subtilen Gitarrenparts, wunderschönem Klavier und Gesang und von den schwersten soliden Bass-Grooves seit den Chilli Peppers und King Tubby bis zu einigen der treibendsten und unvergesslichsten Drums. Sie streiften als Rockgruppe aus dreiköpfigen Bands wie The Hendrix Experience, Rage Against the Machine und Primus. Ihr Sound hatte jedoch etwas offen Klassisches und Europäisches. Bei einem ihrer Auftritte in Frankreich sind Sie vielleicht durch den Dunst gestolpert und haben gesehen, was Sie für Chopin und Rachmaninoff hielten, die mit Hendrix und Rage gegen die Maschine gefeiert haben.
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Die Hybridität von Muse in Musik und Kultur ist ein Zeichen ihrer Innovation. Als sie das erste Mal einsteckten, hatten die kleinen Londoner Pubs und Clubs, in die sie tourten - und sogar das Pariser und das deutsche Stadion - Mühe, ihren Bombast und ihre Energie einzudämmen. Ihr Klang war nicht zu unterdrücken. Bis 2007 hatte ihr Mainstream-Erfolg ihnen alle populären Phantasien beschert und ihnen auch die Gelegenheit zur Größe gegeben. Die Wembley-Konzerte 2007 waren ein monumentaler Anlass: eine Gefolgschaft und ein Aufbau von Musik, die den dionysischen Geist des Trotzes und der Ekstase anlockten, als wäre es Athen des 4. Jahrhunderts. Diese Aufführung war ein Zeichen für die große Hybridität der modernen Kultur. Muse trat aus der Mitte des Publikums hervor, um neben vollwertigen Stage-Prop-Antennen die Bühne zu betreten, und spielte Gitarrenklassiker wie "Plug in Baby" und "New Born". Neuere Weltraum-Rock-Mythologien wie "Knights of Cydonia" und "Supermassive Blackhole" tobten ebenfalls gegen die hoch aufragenden Rauchgitter und Feuerfahnen. Wenn Muse jedoch einen Namen für lauten und grandiosen Rock entwickelt hatte, waren sie auch als Meister des Weichen, der Ballade und des Schönen bekannt. Während des Konzerts hingen Balletttänzer zehn Meter in der Luft, glasierten in Glitzer und tanzten in Zeitlupe. Sie bewegen sich anmutig zu 'Blackout': einem Lied über die Verehrung des Lebens und all seine Bewegungen und Zeiten, die ihm bevorstehen. Das Spektakel war unglaublich. Eine solche Katharsis erinnert uns an großes griechisches Theater. Durch diese atemberaubende Performance zeigte Muse, dass Hybridität nicht nur in ihrer Musik zu finden ist, sondern auch in der Vielfalt ihrer unvergesslichen Live-Shows.
Muse bei Wembley Wiki Commons | Foto © Georgio
Trotz des Fokus auf die Verschmelzung von Vergangenheit und Gegenwart und die Erforschung zeitgenössischer Themen wurde die Band seit ihrem dritten Album als "ausverkauft" kritisiert. Wenn wir jedoch zuhören, hören wir eine bescheidene Umarmung der modernen Zeit und eine enorme Intelligenz. In ihrem instrumentalen "Unsustainable" finden wir Muse, der Dub-Step setzt, um Instrumente zu leben. Dieses Kunststück der Hybridität ist allein schon beeindruckend, aber wenn man eine solche Leistung bei Live-Auftritten miterlebt, erkennt man die große Intelligenz der Band. Muse wurde von Klängen angetrieben, die den Soundtrack der britischen Musik in diesem Jahrzehnt mitgeprägt haben: minimalistische Programmierung, Synthie, Bass und die Fülle an Electronica. Ihre Innovation beruht darauf, diese Mainstream-Outings mit den kraftvollen Bedeutungen ihres Songs zu verbinden. In einem ihrer Songs, 'Madness', bringen die abschließenden Refrains eine starke persönliche Erkenntnis mit sich, die sich auch für jeden amorph übersetzen lässt.
Muse hat den Klassiker und die Moderne mutig aufgenommen, um uns zu zeigen, dass Furchtlosigkeit für Popularität zusammen mit Intelligenz dazu führen kann, dass Branchentrends auf individuelle Musik treffen. Wenn Hybridität ein moderner Standard ist, dann hat Muse die Norm wirklich übertroffen und gezeigt, dass Kombination der Einfallsreichtum von heute sein kann. Muse produziert bewundernswerte britische Musik und hat unsere Standards hoch und aktuell gesetzt. Sie reflektiert gigantische und kanonische Epochen. Muse hat dies verstärkt, indem es einige der innovativsten und gefragtesten Klänge von heute verfolgt und mit einigen der größten Live-Produktionen von heute technologischen Einfallsreichtum und multimediale Performance fördert. Sie haben die Ekstase und das Epos der griechischen Kultur, des vergangenen Spektakels und der zeitgenössischen Musikgrößen hervorgerufen. Mit tiefem Respekt für das musikalische Erbe, einem radikalen Individualismus und einer aufschlussreichen Erforschung moderner Themen zieht die Band jede Entrückung heraus, als wären sie Noten, die aus dem tiefsten Teil unserer Seele gepflückt werden. In den kommenden Epochen - wenn Chopin ein Relikt und zeitgenössischer Rock ein Mythos ist - kann das Erbe, das auf solche Innovationen stößt, als der große Faktor angesehen werden, der der Klassiker unserer Zeit ist.
