Als zutiefst philosophischer Mann, der den Materialismus mied und auf dem Primat der rohen Emotionen bestand, könnten wir vielleicht alle ein bisschen mehr von Rothkos Prinzipien in unserem Leben gebrauchen. Hier sind 10 Dinge, die Sie über den Künstler wissen sollten, einschließlich seiner größten Angst.
Individuelle Erfahrung ist der Schlüssel
Rothko glaubte fest an die Bedeutung der persönlichen Erfahrung des Einzelnen für seine Bilder. In seiner Vision würde der Betrachter in eine tiefe, meditative Beziehung hineingezogen, wenn er mit der Leinwand konfrontiert wird, einem Zustand emotionaler Verletzlichkeit und völliger Empfänglichkeit, analog zu Rothkos emotionalem Zustand, als er die Leinwand in seinem Studio malte.
Mark Rothko in seinem Atelier, 1964, Cibachrom © Hans Namuth / Mit freundlicher Genehmigung der National Portrait Gallery, USA
Der Meister der Farbe war nicht „an Farbe interessiert“
Seit seinem frühen Tod wurde Rothkos Pionierarbeit in der Farbfeldbewegung von vielen Kritikern als unbestreitbar und bahnbrechend beschrieben. Für den Maler selbst war Farbe nur ein Vehikel für eine emotionale Reaktion, die im Betrachter hervorgerufen wurde und von jeglicher ästhetischen oder dekorativen Unterströmung befreit war. In einer berühmten Aussage, die seine künstlerische Praxis verkörpert, sagte Rothko: „Wenn Sie nur von Farbbeziehungen bewegt werden, verpassen Sie den Punkt.“
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, New York, 1960, Silbergelatineabzug Mit freundlicher Genehmigung der Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (gestiftet von Seymour H. Knox Jr.)
Die einzige Antwort, die zählt, ist emotional
Rothko war mit rohen menschlichen Reaktionen beschäftigt oder mit dem, was er "grundlegende menschliche Emotionen - Tragödie, Ekstase, Untergang usw." nannte, und fand, dass dies der einzig "richtige" Weg war, auf seine Bilder zu reagieren. Wenn sie sich der Leinwand nähert, muss sich der Betrachter von dem Wunsch befreien, das Gemälde im intellektuellen Sinne zu interpretieren oder zu verstehen, und sich von der in die Komposition eingravierten Emotion bewegen lassen. Letztendlich sah Rothko dies als einen Zustand, in dem Maler und Betrachter eine Reihe von Emotionen teilen, fast transzendental, während sie sich derselben Leinwand gegenübersehen. Im Kontext der zunehmend intellektualisierten Kunst der 1950er und 1960er Jahre war dieser Ansatz nicht nur originell, sondern auch kontrovers.
Mark Rothko, Ohne Titel (Seagram Mural-Skizze), 1959, Öl auf Leinwand Mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseum den Haag
Nennen Sie seine Bilder nicht „schön“.
Seine Bilder einem dekorativen Zweck dienen zu lassen, war wohl Rothkos größte Angst als Künstler. Wann immer er eines privat verkaufte, untersuchte er zunächst die Reaktion des Käufers auf die Leinwand, um festzustellen, ob der neue Besitzer das Gemälde als Accessoire oder als Herzstück verwenden würde. Obwohl Rothkos hoch aufragende, hypnotisierende Werke eine unbestreitbare Schönheit haben, besteht seine vorgeschriebene Sichtweise darin, Ihren Geist von jeglichen ästhetischen Überlegungen zu entleeren und sie buchstäblich und im übertragenen Sinne als bewegend wahrzunehmen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1955, Öl auf Leinwand Mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseums den Haag
Rothkos frühe Werke sind figurativ
Seine frühen Werke sind ausgesprochen figurativ, weit entfernt von den riesigen, abstrakten Werken, für die er schließlich bekannt wurde. U-Bahn-Szenen, Interpretationen antiker Mythen, halbmenschliche Figurenstudien und pastorale Einstellungen vereinen sich zu einer eklektischen Mischung aus scheinbar nicht verwandten Themen, bevor sie in der nächsten Phase von Rothkos Entwicklung zu verschwommenen Abstraktionen werden. Die einzige Verbindung zwischen diesen und seinen späteren Werken ist die sichtbare Vorliebe des Malers für die aufrecht-vertikalen Linien, die nach oben ausgedehnten Körper und die allgegenwärtigen Säulen, die alle Rothkos reife Werke vorwegnehmen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1947, Öl auf Leinwand Mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseums den Haag
Schwarz ist nie wirklich schwarz
Insbesondere ist das von Rothko verwendete Schwarz eine mehrdimensionale Ebene mit dunklem Farbton, die normalerweise auf oder neben einem anderen Ton platziert wird, der den Rest des Gemäldes mit einer sehr subtilen Färbung erfüllt. Selbst in den späten, typisch dunklen Arbeiten wird die schwarze Schicht von halb sichtbaren Farbblitzen von unten unterbrochen, die über den ursprünglichen Eindruck hinaus um Luft kämpfen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1953, Mischtechnik auf Leinwand Mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseum den Haag
Rothkos Gemälde gehören zu den teuersten Kunstwerken, die jemals verkauft wurden
Rothkos Orange, Rot, Gelb (1961) gehört zu den fünf teuersten Nachkriegsgemälden, die jemals versteigert wurden. Bei einer Auktion von Christie's in New York im Jahr 2012 wurden außergewöhnliche 86, 9 Millionen US-Dollar erzielt, womit der bisherige Rekord des Künstlers mit White Center (Gelb, Pink und Lavendel auf Rose) übertroffen wurde, der 2007 bei Sotheby's für 72, 8 Millionen US-Dollar gekauft wurde. Van Goghs Iris (1889) wurde 1987 für "nur" 53, 9 Millionen Dollar verkauft.
Geld war für Rothko nie ein Antrieb
Trotz der Rekordpreise, die seine Gemälde im heutigen Kunstgeschäft erzielten, gehörten Wohlstand und Ruhm nie zu Rothkos Prioritäten. Die sogenannte Seagram-Kommission ist ein spektakuläres Beispiel: Im Juni 1958 nahm Rothko einen Auftrag der Eigentümer des neuen Four Seasons Restaurants in New York an, eine Reihe von Wandgemälden für den Innenraum zu produzieren und die beteiligten All-Star-Darsteller zu ergänzen im Design des Restaurants, komplett mit Mies van der Rohe und Philip Johnson.
Nachdem Rothko zunächst seine lukrativste Aufgabe angenommen hatte, brach er den Vertrag mit wenig Erklärung abrupt ab. Es wird vermutet, dass er dachte, das Projekt würde seine Integrität als Künstler gefährden und seine Bilder in einem luxuriösen Speisesaal rein dekorativ machen.
Die Seagram Murals mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseum den Haag
Rothkos spätere Arbeiten tendieren zur Dunkelheit
In den späteren Phasen seiner Karriere, in den 1960er Jahren, begannen Rothkos Gemälde, sich der Dunkelheit zuzuwenden, eine völlige Abkehr von seinem früheren Fokus auf lebendige Leinwände, bei denen die Farbe scheinbar im Mittelpunkt stand. Dunkle Grautöne und Beinahe-Schwarztöne dominierten seine Palette in dem, was viele heute als Omen seines Selbstmordes im Winter 1970 ansehen. Erstaunlicherweise ist seine letzte Arbeit eine schreiende Komposition aus Blutrot.
Mark Rothko, Nr. 7, 1964, Mischtechnik auf Leinwand Mit freundlicher Genehmigung des Gemeentemuseums den Haag
