Die Pazifikinseln sind einer der abgelegensten Orte der Erde und werden auf der internationalen Kunstbühne oft übersehen. Mit einer langen Geschichte der Kolonialisierung durch europäische Länder verfügen die Inseln über ein reiches kulturelles und historisches Erbe, das sowohl auf ihren eigenen Traditionen als auch auf denen ihrer kolonialen Vergangenheit beruht. Wir werfen einen Blick auf die Top 10 der zeitgenössischen Künstler, deren Praktiken von ihrer Geschichte und Kultur inspiriert sind.
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (* 1970) ist gemischter schottischer und rotumanischer Herkunft und verbrachte ihre Kindheit auf der Insel Rotuma-Fidschi, bevor sie sich in Neuseeland niederließ. Ihre Kunst ist beeinflusst von ihrem polynesischen Erbe und den Traditionen der Körperschmuck. Tekela-Smith hat die Grenzen der Konzeptualisierung, Präsentation und Präsentation ihrer Arbeiten - Schmuck und Objekte der Körperschmuck - erweitert, um eher zu "Kunst" als zu "Handwerk" zu werden. Melodien ihrer honigfarbenen Haut (2003) ist eine Reihe schwarzer Relief-Glasfasersilhouetten von Köpfen, die jeweils mit einem Schmuckstück von Tekela-Smith verziert sind.
Inspiriert von Kitschobjekten mit polynesischen, afrikanischen und Aborigines-Köpfen, die in den 1950er und 1960er Jahren als Wohnkultur beliebt waren, stellen die Silhouetten die stereotypen Bilder von Polynesiern in Frage, die von touristischen Strategien der kolonialen Vergangenheit verewigt wurden. Die Fotografien in Brown Eyes Blue (2004) untergraben auch die stereotype Wahrnehmung polynesischer Frauen im kollektiven Imaginären. Sie posieren herausfordernd vor einem schwarzen Hintergrund, Hände, Arme und Lippen sind rot gestrichen - die Farbe von Leidenschaft, Gefahr, Gewalt, Blut, Heiligkeit - mit einer roten Hibiskusblüte im Haar und tragen ein großes Perlmutthalsband über ihrem nackten Oberkörper.
Sofia Tekela-Smith, Kleine Wolken Kleine Berge (Detail), 2012, Goldlippenperlmutt, Pounamu, Wachsfaden, Foto, Spiegel, 37, 5 cm Durchmesser Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Bartley + Company Art, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (* 1950) lässt sich von seinem kulturellen Erbe und den spirituellen und sozialen Traditionen seines Herkunftsortes, der Vanuatu-Insel Ambrym, inspirieren. Der geografisch isolierte nördliche Teil der Insel bewahrt noch immer weitgehend Stammesbräuche und kastomübliche Regierungen, Gesetze und Religionen. Eine Vielzahl von Artefakten wird geschaffen, um Rituale und Zeremonien zu begleiten, Gedenkfeiern und eine Vielzahl von Ereignissen zu markieren. Rangies Oeuvre ist direkt von diesen traditionellen Handwerken beeinflusst, wie in Mague ne sagran (Rangliste der schwarzen Palme) Klasse 4 (ca. 2005) zu sehen ist, einem Teil einer Reihe von Werken, die von mague-figurativen Skulpturen inspiriert wurden, die für männliche Initiationszeremonien geschaffen wurden. Die ambrymesische Gesellschaft besteht aus Häuptlingen, die sich durch eine Reihe von Besoldungsgruppen erheben, und Rangzuwächse sind mit Zeremonien und der Schaffung von Mague gekennzeichnet. Die Totemfiguren bestehen aus geschnitzter schwarzer Palme und sind mit synthetischen Farben bemalt. Sie haben jeweils ihre Einzigartigkeit, je nach dem sozialen Grad des Chefs, dem sie gewidmet sind.
John Pule
Der Niueanische Künstler, Schriftsteller und Dichter John Pule (* 1962) arbeitet mit Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Filmemachen und Performance. Sein Oeuvre lässt sich von der Niueanischen Kosmologie und dem Christentum inspirieren und befasst sich mit Fragen der Migration und des Kolonialismus. Tukulagi tukumuitea (Für immer und ewig) (2005) verknüpft seine persönlichen Erzählungen mit allen oben genannten Themen. Pule stellt Bilder vom Christus, die vom Kreuz entfernt wurden, trauernden Menschen in einer öden Landschaft gegenüber. Androgyne Figuren tragen große Vögel, Gegenstände und Menschen auf Leitern auf und ab und erinnern an die Bewegung von Kulturen und Glaubenssystemen. Die Pfingstrosen auf dem Gemälde beziehen sich auf die Importe der Missionare, einschließlich der Blumen selbst, die Teil der lokalen Flora geworden sind. Dominiert von der roten Farbe - Blut und Gewalt - deutet die Arbeit auch auf die Möglichkeit einer Erneuerung hin. Pules Arbeit ist direkt von seinem Interesse an der Tradition des Hiapo beeinflusst - einer Freihand-Borkentuch-Tradition aus Niue. Hiapo stammt aus der Mitte des 19. Jahrhunderts und vermischt westliche und Niueanische Kulturen mit einer Mischung aus Dekoration und Bildsprache, die so vielfältig ist wie westliche, traditionelle, Sprache, Numerologie, Marine und Botanik.
John Pule, The Disagreement, 2014, Öle, Emaille, Tinten, Ölstift, Polyurethan auf Leinwand, 200 x 200 cm Mit freundlicher Genehmigung der Gow Langsford Gallery
Sima Urale
Sima Urale (* 1968) ist Samoas erste Filmemacherin. Als zeitgenössische, visuelle Geschichtenerzählerin behält sie die samoanische Tradition des mündlichen Erzählens oder Fagogos bei. Ihre Arbeit ist sowohl von ihrem samoanischen Erbe als auch von ihrer Erfahrung beeinflusst, in das urbanisierte Aotearoa zu ziehen - der Name der Māori für Neuseeland. Ihr preisgekrönter Kurzfilm O Tamaiti (1996) 'The Children' wurde auf Samoanisch mit minimalem Ton gedreht und in Schwarzweiß gedreht, um die kitschigen Stereotypen der Samoaner zu vermeiden. Die Geschichte eines Jungen, der unter verheerenden Umständen gezwungen war, Eltern zu spielen, wurde 1996 bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig mit dem Silbernen Löwen für den besten Kurzfilm ausgezeichnet Pākehā, der Name der Māori für Neuseeländer mit europäischem Erbe, war der erste Kiwi-Kurzfilm, der beim Montreal Film Festival den Preis für den besten Kurzfilm und beim Schweizer Filmfestival in Locarno einen Sonderpreis erhielt.
Sima Urale, Samoa / Neuseeland geb. 1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whero), 2003, 35-mm-Film- und Betacam SP-Formate: 15 Minuten, Schwarzweiß, Stereo. Gekauft 2004. Queensland Art Gallery Foundation Stipendium / Sammlung: Queensland Art Gallery © Der Künstler
Aline Amaru
Die Tahitianerin Aline Amaru (* 1941) ist eine Innovatorin der Tifaifai-Appliqué-Quilt-Textil-Tradition von Tahiti. Tifaifai, das normalerweise mit floralen oder abstrakten Mustern verziert ist, ist in Polynesien seit dem frühen 19. Jahrhundert präsent, wahrscheinlich im Zusammenhang mit der Einführung von Handarbeiten durch die Frauen der Missionare. Amarus Interpretation der Tifaifai-Tradition bezieht ihre charakteristischen Muster in ihre eigenen Erzählungen ein, beispielsweise Darstellungen historischer Szenen. La Famille Pomare (1991) zeigt eine Szene, die die fünf Generationen der königlichen Familie Pomare in Tahiti darstellt - die letzte regierende Monarchie vor der Übernahme der französischen Kolonialherrschaft im Jahr 1880. Die Figuren sind in chronologischer Reihenfolge dargestellt und reflektieren das Erbe der Könige in Tahiti. Amarus Arbeit kombiniert erhabene Applikationen mit aufwändiger Handstickerei, der weniger bekannten Nana'o-Nähtechnik, mit dem Paumotu-Stich, den sie von ihrer Mutter gelernt hat. Der Tifaifai hat nun auch das traditionelle Borkentuch ersetzt und ist ein wichtiges zeremonielles Objekt, das als Erbstücke durch Familien und Generationen weitergegeben wird.
Aline Amaru, Tahiti geb. 1941, La Famille Pomare (Tifaifai) (Pa'oti-Stil), 1991, handelsübliches Baumwolltuch und -faden in Applikation und Sticktechnik, 237, 8 x 229 cm. Gekauft 2004. Queensland Art Gallery Foundation / Sammlung: Queensland Art Gallery
Kalisolaite 'Uhila
Der tonganische Künstler Kalisolaite 'Uhila bezieht sich auf verschiedene Geschichten und Vorfahren sowie auf den Alltag und die Vielfalt des Seins. Seine Aufführungspraxis ist inspiriert von tonganischen Seinsvorstellungen und kunsthistorischen Hinterlassenschaften der euroamerikanischen Kunst ab den 1960er Jahren. Sein experimenteller Ansatz manifestiert Ideen in Metaphern, die eine Art zu sein bestimmen, und spricht seine Heimatkultur an, indem er kulturelle Prozesse und Geschichten in seine Aufführungssprache übernimmt. Bei Pigs In The Yard (2011) teilt sich der Künstler einen Versandbehälter mit einem Schwein. Während Uhila versucht, sich an das Schwein zu gewöhnen, untersucht er die Bedeutung des Tieres für seine einheimische tonganische Kultur und die anhaltenden kolonialen Sorgen der Pazifikinseln. In Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015): „Uhila leitet das Meer in der Oriental Bay in Wellington sechs Stunden lang an fünf aufeinander folgenden Tagen von Ebbe bis Flut. Der Künstler schöpft aus tonganischen Reden und Choreografien sowie aus seiner Familienlinie tonganischer Seefahrer, indem er Ngatu- und Si-Blätter trägt. Die Aufführung bezieht sich auch auf den Ozean als etwas, das Menschen verbindet, anstatt sie zu trennen, und Vergangenheit, Gegenwart, Persönliches und Globales miteinander verbindet.
Kalisolaite 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, Live-Auftritt in der Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Neuseeland Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Itiri Ngaro
Der Cook-Inseln-Künstler Itiri Ngaro (* 1973) ist von der darstellenden Kunst zum bewegten Bild übergegangen. Seine Werke sind beeinflusst von seinem Hintergrund in Musik, Theater, Gesang und Tanz. Ngaros Praxis ist selbstreflexiv und zeigt eine urbane Realität, die sich mit dem Erbe von Cook Island verbindet. Obwohl seine Videoarbeiten mit pazifischer Symbolik aufgeladen sind, glaubt der Künstler, dass die Ideen, die er vermittelt, für unsere Existenz allgemein und universell sind. Te 'Oki'anga o Te Vaerua (Die Rückkehr der Seele) (2007) beschäftigt sich poetisch mit Fragen der kulturellen Identität. Sandzeichnungen verwandeln sich in Erinnerungen an einen Mann, der versucht, etwas zu entkommen, oder vielleicht an sich selbst. An den ruhigen Stränden der Westküste führt ein Mann Bewegungen des zeitgenössischen und traditionellen Tanzes auf und nimmt das Publikum mit auf eine Reise von gequälten Momenten bis zur Rückkehr der Seele. Ko te au ata mou kore (Die sich verändernden Schatten) (2008) integriert physische, spirituelle und mentale Bereiche durch experimentelle visuelle Techniken. Gegenkräfte spielen eine Rolle: Projizierte Silhouetten spielen soziale Themen wie körperlichen und Alkoholmissbrauch aus, während andere engelhafte Vorfahren darstellen.
Maile Andrade
Die Multimedia-Künstlerin Maile Andrade vereint Zeitgenössisches und Traditionelles, um Werke zu schaffen, die ihre hawaiianische Weltanschauung widerspiegeln. Andrade verwendet eine breite Palette von Medien sowie innovative Techniken, die mit traditionellem Handwerk gemischt sind. Sie ist der Ansicht, dass Kunst ein wirksames Mittel ist, um den Lebensweg darzustellen, und dass ihre Praxis tief im hawaiianischen Erbe verwurzelt ist. Andrade erforscht und hinterfragt die Verwendung und Aufrechterhaltung von Stereotypen, die durch viele Linsen gesehen werden, und wie Ethnographie und Anthropologie kulturelle Praktiken, Kosmologie und Spiritualität missbraucht haben. Die Künstlerin übernimmt das Recht, sich selbst und ihre eigenen Leute zu identifizieren und die Vorstellungen der stereotypen einheimischen Hawaiianerin in Frage zu stellen. Kahuli (2011) ist eine Installation aus Lauhala-Körben und geschmolzenem Glas, die auf die Vorstellung von I Keia Manawa verweist - der Gegenwart, in der einheimische Hawaiianer mit dem Rücken zur Zukunft und dem Blick auf die Vergangenheit fest stehen. Andrade beschäftigt sich mit der Spannung dieser Zeit und dieses Raums und der Verzerrung sozialer, kultureller, politischer und historischer Tatsachen, als ob Ereignisse niemals so geschehen wären, wie wir uns an sie erinnern. Diese Turbulenzen sind in ständiger Bewegung, da sie Menschen, Orte und Situationen verändern, verändern und verärgern.
Maile Andrade, Ka Huli, 2013, Wandinstallation mit Lauhala-Körben Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Paula Schaafhausen
Die samoanische Künstlerin Paula Schaafhausen verweist auf ihr kulturelles Erbe, indem sie Bilder, Materialien, Techniken und visuelle Erzählungen neu aneignet, um sich mit globalen Themen auseinanderzusetzen. In ihrem 2014er Projekt Ebbing Tagaloa beleuchtet die Künstlerin Fragen der globalen Erwärmung, insbesondere in Bezug auf den Pazifik und seine Inseln. Aufgrund des steigenden Meeresspiegels sind viele tief liegende Inseln in Ozeanien harten Veränderungen ausgesetzt, wie z. B. einem höheren Salzgehalt im Boden und rückläufigen Küsten, um nur einige zu nennen. In der samoanischen Mythologie ist Tagaloa der oberste Herrscher und traditionell der Gott des Ozeans, der die Inseln, den Himmel und die Meere geschaffen hat. Schaafhausen bezieht sich in ihren geformten Figuren aus Kokosöl, Koko Samoa und Sand auf den Gott. Das Öl und das Koko sind Materialien des täglichen Gebrauchs in Samoa, während der Sand auf das Land und die Meere verweist, die die Menschen in Ozeanien vereinen. Die Statuetten werden auf maßgefertigten Tabletts platziert, die die fünf wichtigsten Kiribati-Inseln darstellen, die eine der gefährdeten tief liegenden Inseln im Pazifik sind. Während der Ausstellungszeit zerbröckeln die Figuren und lösen sich mit den Veränderungen von Temperatur und Atmosphäre auf.
Eine aus der Gruppe der Tagaloa-Figuren von Paula Schaafhausen in der Ausstellung 'Ebbing Tagaloa' in w: en: Enjoy Public Art Gallery © Stuartyeates / WikiCommons
