Auf den Spuren von Pionieren der kinetischen Kunst wie Wen-Ying Tsai, die im Januar 2013 verstorben sind, experimentieren Künstler aus Großchina, darunter Taiwan und Hongkong, zunehmend mit neuen Medien. Viele der jungen Generation arbeiten mit Software und Robotik, um interaktive und immersive kinetische Installationen zu erstellen, die von performativ bis partizipativ reichen und alle überraschend wundersame Beispiele in der aufstrebenden Roboterkunstszene sind.
Dimension +
Dimension + ist ein Kreativteam für neue Medienkunst, das von zwei Künstlern aus Taiwan und Hongkong, Escher Tsai und Keith Lam, gegründet wurde. Das Kollektiv konzentriert sich auf die Verschmelzung von Kunst und Technologie. Ihre Projekte konzentrieren sich auf die Einbettung neuer Medien in den Weltraum und der Kunst neuer Medien in die Industrie, die Schaffung eines interdisziplinären interaktiven Designs und die Verbesserung der Interaktionserfahrung des Publikums. Dimension + basiert auf dem digitalen Zeitalter und zielt darauf ab, die Dichotomie zwischen digital und physisch zu überbrücken, indem das Unsichtbare und das Digitale in ein sichtbares und greifbares Element übertragen werden, was durch die Kombination von analogen und digitalen Medien erreicht wird.
Dimension + hat viele internationale Preise gewonnen und auf internationalen Festivals, Ausstellungen und Veranstaltungen ausgestellt, darunter in Italien, Österreich, Japan, Peking, Shanghai, Guangzhou, Hongkong und Taiwan.
Signal Morphor: Das Orchester ist eine interaktive und performative Installation, die Kommunikation in Partitur umwandelt und immateriellen (oder immateriellen) Signalen Leben einhaucht. Das Publikum ist der Darsteller und die Kommunikation wird in audiovisuelle Medien übersetzt. Eine Gruppe von Tänzern mit Regenschirmen fungiert als eine Art menschliche Antenne, die die Kommunikationssignale übersetzt oder decodiert, indem sie auf die empfangenen Informationen reagiert und darauf reagiert.
Die Werkreihe Vertebra, die kürzlich auf dem Taipei Digital Arts Festival 2013 und in The Innovationists vorgestellt wurde, zeigt eine Ausstellung kinetischer und roboterhafter Kunst in der K11 Mall in Hongkong und im Taipei Museum of Contemporary Art. Die Arbeiten verwenden Papier als Hauptmaterial und sind Reproduktionen von Wirbelsäulen, die die tierische Struktur und Festigkeit sowie die Weichheit und Geschmeidigkeit von Pflanzen aufweisen und einen hybriden Prototyp der „perfekten“ Kreatur schaffen.
Eric Siu
Eric Siu ist ein New Media-Künstler aus Hongkong, der mit Gerätekunst, interaktiver Kunst, Kinetik, Installation, Video und Animation arbeitet. Heute arbeitet er als Creative Director bei Great Works Tokyo, einer Werbeagentur, und ist seit 2008 Vorstandsmitglied von Hong Kongs Videotage. 2005 erhielt er einen BA in Creative Media von der City University of Hong Kong und wechselte anschließend zu Abschluss eines 12-monatigen Kulturaustausch- und Forschungsprojekts in den USA. Seine Video- und Multimedia-Arbeiten wurden weltweit ausgestellt, unter anderem bei Institutionen und wegweisenden Kunstveranstaltungen für neue Medien wie ZKM Karlsruhe, MOCA Taipeh, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA und Microwave.
Sein beliebtestes Werk Touchy wurde auf der WRO 2013, der 15. Internationalen Medienkunstbiennale in Breslau, Polen, mit großem Erfolg und dem ersten Preis ausgezeichnet und auf Discovery Channel und anderen internationalen Medienpublikationen vorgestellt. Touchy ist eine „menschliche Kamera“ - eine Person, die eine Kamera trägt - die ein Foto macht, wenn sie länger als 10 Sekunden berührt wird. Die tragbare Helmvorrichtung hat die Funktionen einer Kamera, die aus einem Paar automatischer Verschlüsse, einer funktionierenden Kamera und einem interaktiven Bildschirm besteht. Touchy ist die meiste Zeit blind hinter den Fensterläden, und das Kunstwerk ist tatsächlich eine Umwandlung eines Menschen in eine Kamera. Der Künstler nennt diese Arbeit ein "phänomenologisches soziales Interaktionsexperiment, das sich auf das Verhältnis von Geben und Empfangen konzentriert, indem ein Mensch buchstäblich in eine Kamera verwandelt wird". Für den Künstler zielt diese Arbeit darauf ab, die sozialen Ängste des digitalen Zeitalters durch spielerische Interaktionen zu heilen. In der gegenwärtigen technologischen Ära hat es eine Entmenschlichung des physischen Kontakts gegeben, und soziale Interaktion findet zunehmend virtuell und digital statt. Touchy begegnet diesen Problemen, indem es Interaktionen mit Fremden ermöglicht, die physischen Kontakt und die Kombination von Mensch mit einem Social-Tech-Gerät beinhalten: eine Kamera, die wiederum ein Werkzeug zum Teilen von Erinnerungen, Momenten, Emotionen und Schönheit ist.
Xia Hang
Xia Hang (* 1978 in Shenyang, Provinz Liaoning, China) begann mit 10 Jahren zu malen und schloss sein Studium mit einem BFA der Lu Xun Akademie der bildenden Künste und einem MFA der Skulpturenabteilung der Pekinger Zentralakademie der bildenden Künste ab. CAFA). Während seiner Zeit bei CAFA begann Xia, kommaförmige Männerskulpturen aus poliertem Edelstahl herzustellen, die die Vorläufer seiner aktuellen mechanischen außerirdischen Skulpturen waren.
Xia Hang hat eine Reihe von außerirdischen Skulpturen geschaffen, die sich mit Mechanismen bewegen, dehnen und ihre Form im Zusammenspiel des Publikums verändern. Der Künstler schuf solche interaktiven Werke, die erstmals 2008 in seiner Ausstellung in Peking mit dem Titel "Bitte nicht berühren" (mit durchgestrichener "Berührung") gezeigt wurden. Xia Hang hatte das Gefühl, dass diese Art von Zeichen den Betrachter und das Kunstwerk noch mehr voneinander trennte, und beschloss, Kunstwerke zu schaffen, die die beiden näher zusammenbringen und Skulpturen wie Spielzeug werden lassen.
Xia Hang hat in Zusammenarbeit mit MB & F auch LM1 (Legacy Machine No. 1) entwickelt. Das Werk ist eine Uhr, die alle attraktiven Merkmale der von der Taschenuhr inspirierten Original-LM1 aus dem 19. Jahrhundert bewahrt. Die Xia Hang-Version präsentiert eine neue Funktion in Form einer Miniatur-Edelstahlskulptur eines Mannes, der die Gangreserve der Uhr anzeigt. 'Herr. Oben 'verwandelt sich die Skulptur, die gerade sitzt, wenn die Bewegung vollständig aufgewickelt ist, langsam in' Mr. Down ', eine schlampige Figur, wenn die Kraft nachlässt.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) schloss sein Studium an der Batley School für Kunst und Design am Dewsbury College in Großbritannien mit einem BA in Fine Art for Design ab. Derzeit lebt Wu in Chengdu und lernt die traditionelle Kunst des Papierschneidens und der Arbeit an einem kinetischen Projekt. Wu wuchs als junger introvertierter Junge auf und hatte eine Leidenschaft dafür, Dinge auseinander zu nehmen und von Grund auf neu aufzubauen. Das Erkennen einer Fehlfunktion und das Finden der Lösung brachte ihn der Entwicklung seiner eigenen mechanischen Arbeiten näher. Wu konzentriert sich auf die Schaffung von Geräten und kinetischen Installationen, die die Interaktion der Öffentlichkeit erfordern und deren Neugier wecken.
Die musikalische Schreibmaschine ist ein Beispiel für seine interaktiven Installationen, die junge Menschen und Erwachsene zum Spielen einladen. Normalerweise ist die Verwendung einer Schreibmaschine eine einfache Schreibaktivität, mit der der Benutzer wissen kann, wie sich das Drücken der Tasten auswirkt. In Wus Installation sind die Schlüssel mit einer Reihe von Angelschnüren verbunden, die mit kleinen Hämmern verbunden sind. Wenn die Tasten gedrückt werden, schlagen die Hämmer auf eine Vielzahl von Gegenständen ein, z. B. leere Nudelsaucengläser, Dosen, Flaschen, Folien, und erzeugen unterschiedliche Geräusche. Die Verbindungen sind dem Publikum unbekannt, was zu einer unvorhersehbaren Klangexplosion führt. Derzeit versucht Wu, von Ikea Finanzmittel oder Sponsoring zu erhalten, um das Projekt zu verbessern und seinen Hintergrund zu verbessern.
Samson Young
Samson Young (* 1979) ist ein Komponist, Sound- und New Media-Künstler aus Hongkong mit einem fast einschüchternd beeindruckenden Lebenslauf. Er erhielt 2002 einen BA in Musik, Philosophie und Gender Studies von der University of Sydney und 2007 einen MPhil in Musikkomposition von der University of Hong Kong. Er promovierte in Musikkomposition an der Princeton University (USA) und ist Assistent Professor für Critical Intermedia Art an der School of Creative Media der City University of Hong Kong. Zu seinen Mentoren zählen Chan Hing-Yan und Paul Lansky. Young hat international ausgestellt und gespielt, darunter das Sydney Springs International New Music Festival (Australien 2001), das Canberra International Music Festival (Australien 2008), die ISCM World Music Days (Australien 2010), das MONA FOMA Festival für Musik und Kunst (2011) und Microwave Internationales New Media Arts Festival (HK 2004), unter anderem. 2007 war er der erste Künstler in Hongkong, der mit seinem audiovisuellen Projekt The Happiest Hour den Bloomberg Emerging Artist Award gewann.
Trotz dieses Appells an den Erfolg in Extremen ist Young auch nachdenklich und nachdenklich, Eigenschaften, die sich in seinen Werken zeigen. Seine Machines for Making Nothing (2011-2014) ist eine Sammlung kleiner elektronischer Objekte, die, abgesehen davon, dass sie zum Spielen verwendet werden, überhaupt keine Funktion oder Bedeutung haben. Ihre Existenz beweist, wie Interaktivität verführerisch oder sogar süchtig machen kann, und das Kunstwerk untersucht "die ästhetischen Freuden der Mensch-Maschine-Interaktion" auf seiner grundlegendsten Ebene. Die Beethoven-Klaviersonate Nr. 1 - 14 (Senza Misura) besteht aus 47 offenen Steckbrettschaltungen, die als elektronische Metronome fungieren. Jedes dieser kleinen Geräte tickt und blinkt und markiert das Tempo eines der Sonatensätze.
Annie Wan
Annie Wan ist eine New Media-Künstlerin aus Hongkong. Sie schloss ihr Studium 2002 mit einem BA in Kreativen Medien an der City University in Hongkong und 2005 mit einem MSc in Angewandter Informationstechnologie (Kunst und Technologie) an der Chalmers University of Technology in Schweden ab. 2012 promovierte sie in Digital Arts und experimentelle Medien von der University of Washington, USA. Derzeit ist sie Assistenzprofessorin an der School of Communication (Filmakademie) der Hong Kong Baptist University. Wan hat international auf Festivals, Veranstaltungen und Ausstellungen ausgestellt, darunter die Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapur), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, USA) und der französische Pavillon auf der 10. Architekturbiennale in Venedig. 2009 gewann sie den Finalistenpreis bei den Asia Digital Art Awards 2009 in Fukuoka, Japan.
Annie Wans Arbeiten konzentrieren sich hauptsächlich auf lokale Medien, eingebettete Elektronik und netzwerkbasierte Systeme. Wo ist das Huhn? (2008-2009) ist ein lokales Kunstwerk der Robotik, das vom Hong Kong Arts Development Council unterstützt wird. Die Arbeit fungiert als narrative Performance, die im Zusammenspiel des Roboters, seines kulturspezifischen Ortes und der teilnehmenden Öffentlichkeit aufgebaut ist. Die Arbeit verkörpert öffentliche Interaktion, kollaborative Erzählung, Automatensystem und mobile Technologie und ist eine mechanische Mechanik in Lebensform, die nicht nur die Realität simuliert, sondern es der Öffentlichkeit ermöglicht, sich damit auseinanderzusetzen und die Wahrnehmung dieser Realität zu verändern, zu transformieren und zu verdrehen. Durch die Interaktion mit der Installation arbeitet die Öffentlichkeit an ihrer Entwicklung sowie an der Fortsetzung der Erzählung rund um die Aufführung mit. Das Publikum hilft auch bei der Zusammenstellung einer „Hühnerkarte der Stadt“, indem es seine Erfahrungen mit dem Künstler teilt.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (* 1966 in Taipeh) lebt derzeit zwischen Taipeh und New York. Er hat international ausgestellt, unter anderem im National Taiwan Museum of Fine Arts und im Museum of Contemporary Art in Taipeh, im Chelsea Museum of Art in New York, im Hong Kong Arts Centre und im Perth Institute of Contemporary Arts in Australien.
Shyu ist bekannt für die Schaffung mechanischer und kinetischer Skulpturen, die 1997 auf den Markt gebracht wurden und die mechanische Form als abstrakte Sprache verwenden, die seine Ideen und Gefühle gegenüber dem Leben, Erinnerungen und Fragen in Bezug auf Umwelt, Politik und Gesellschaft vermittelt. Seine mechanisch komplexen Arbeiten umfassen bis zu Tausende von Komponenten, die vom Künstler selbst entworfen und hergestellt wurden, behalten jedoch ein einfaches Erscheinungsbild bei und vermitteln einen Eindruck von Einfachheit.
Eine Art von Verhalten ist seine jüngste Arbeit, eine öffentliche Installation im Freien, die bis zum 17. August 2014 im Bronx Museum of Art in New York zu sehen ist. Die Installation besteht aus Dutzenden von Stahleimern derselben Größe, die auf dem Terrassenboden verstreut und wellig sind zu ihrem eigenen individuellen Rhythmus. Die Arbeit ist inspiriert von der quasi-mechanischen Bewegung von Einsiedlerkrebsen, deren langsame Bewegungen in starkem Kontrast zu der Geschwindigkeit stehen, mit der sich die heutige Gesellschaft bewegt. Die Einsiedlerkrebs verwendet auch Muscheln, die von anderen Arten weggeworfen wurden, und Shyu sieht dies als Metapher für unseren menschlichen Zustand. Der Künstler bittet uns, über unsere Umwelt und die Folgen menschlichen Handelns für die Natur nachzudenken.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) ist ein taiwanesischer Künstler, der sich mit digitaler Kunst und Robotik beschäftigt. Er ist bekannt für seine Designarbeit für die Popmusikindustrie in Taiwan. Er hat weltweit ausgiebig ausgestellt, unter anderem in Hongkong, China, Taiwan, Singapur, Japan und den USA. Lee beschäftigt sich mit interdisziplinärer Arbeit und hat Roboter für ein vielfältiges Publikum entwickelt, darunter kommerzielles Branding, visuelle Kunst, darstellende Kunst und öffentliche Kunst.
Eines seiner bekanntesten Werke im öffentlichen Raum ist BIGPOW, eine Roboterinstallation, die aus einer Gruppe von drei Robotern besteht, einem großen und zwei kleineren. Verspielt und niedlich im Aussehen verstecken die drei Roboter eine interaktive Komponente hinter ihren scheinbar statischen Designs. Die Roboter sind verwandelte HiFi-Geräte und die Öffentlichkeit kann ihre MP3-Geräte an sie anschließen und ihre Musik öffentlich teilen.
Lee drückte seine Liebe zur elektronischen Musik aus und schuf zwei Tanzroboter, Ding und Lulubo. Ding ist eine krakenähnliche Kreatur mit acht Beinen und Lulubo ist ein weiblicher Roboter mit einer wunderschönen Form. Die beiden Roboter haben in Tanzlokalen und im Theater, bei Hip Hop und elektronischen Beats "gespielt" und mit Tanzgruppen "zusammengearbeitet".
Von CA Xuan Mai Ardia
