Ingmar Bergman ist Schwedens einflussreichster Regisseur - ein Mann, der die Natur des Kinos in den kommenden Jahren geprägt hat. Kelsey Eichhorn untersucht, wie er zur Schaffung einer unverwechselbaren schwedischen Ästhetik beigetragen hat, die bis heute Bestand hat.
Zu Beginn von Ingmar Bergmans Film Through a Glass Darkly aus dem Jahr 1961 gibt es eine scheinbar unauffällige kurze Szene zwischen zwei der Hauptfiguren. Martin, der Ehemann von Karin (die einzige weibliche Protagonistin des Films) und Karins Vater (den wir einfach als "Papa" kennen) stellen die Fischnetze direkt vor der kleinen Insel auf, auf der die Familie ein Sommerhaus gemietet hat. Martin fragt Papa, ob er seinen Brief einige Wochen zuvor erhalten habe, und die beiden besprechen Karins Gesundheit. Zu diesem frühen Zeitpunkt erfährt das Publikum, dass Karins Krankheit, was auch immer sie ist, unheilbar ist.
Das Gespräch ist kurz und sachlich. Die beiden Männer erledigen ihre jeweiligen Aufgaben, während Martin langsam rudert und Papa das Netz ausspeist - der Film schneidet zwischen ihnen in einer herkömmlichen Shot-Reverse-Shot-Struktur hin und her. Sie machen eine kurze Pause, um sich auf ihr Gespräch zu konzentrieren, und der Film zeigt eine Einstellung des Bootes und der beiden Männer. die kahle Dunkelheit des Ozeans und die dünn bewachsene Insel hinter ihnen. Obwohl die Szene scheinbar nicht außergewöhnlich ist, ist sie reine Bergman-Szene: stoisch und minimalistisch in ihrem Dialog und ihrer Performance, konzentriert in ihrer Ästhetik und Komposition. Der unprätentiöse Stil schafft einen Realismus und eine Ehrlichkeit, die das schwedische Kino und die schwedische Kultur im Laufe der Geschichte geprägt haben.
Bergman brachte das schwedische Kino fast im Alleingang auf die Weltkarte. Nach dem frühen Erfolg des zutiefst symbolischen Sommers mit Monika (1952) und The Seventh Seal (1957) wurde Bergman in den internationalen Ruhm des Kunstkinos eingeführt. Als sein Kultstatus angesichts der französischen New-Wave-Helden Godard und Truffaut zu schwinden begann, wechselten seine Filme unerwartet abrupt von der symbolischen zur Persona und weckten die Faszination der Filmwelt für diesen ausgesprochen skandinavischen Stil. Die Verbreitung des schwedischen Stummfilms in den frühen 1900er Jahren führte zu einer tiefgreifenden Beschäftigung Schwedens mit Fragen der sozialen und politischen Gerechtigkeit, die die künftige Feier des schwedischen Kinos zu Ehrlichkeit und Realismus fördern würden. Bergman läutete ein Zeitalter der Moderne in den Künsten ein, das nicht nur mit diesem Erbe des schwedischen Stoizismus, sondern auch mit der fortschrittlichen sozialen Atmosphäre Schwedens in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts korrelierte.
Ingmar Bergman bei der Herstellung von Walderdbeeren © Louis Huch / WikiCommons
Durch seine glänzende Karriere von über 50 Spiel- und Fernsehfilmen hat Bergman die wichtigsten thematischen Anliegen des schwedischen Filmemachens fest verankert, die bis heute bestehen bleiben. Die üblichen stilistischen Trends von Minimalismus und Realismus entstanden aus Bergmans Tendenz zur dunkleren Seite der menschlichen Natur; Seine Filme hatten oft schwere Themen, wie die, die in der Kunst kollektiv als "Skandinavische Depression" bekannt sind - Tod, Einsamkeit, Liebe und Wahnsinn. Der wahrste Beweis für Ingmar Bergmans Status als führende Kraft des schwedischen Kinos ist, dass die ästhetischen Trends, die er so meisterhaft ausnutzte und entwickelte, über seine eigenen künstlerischen Bemühungen hinaus Bestand hatten, spätere Generationen von Filmemachern zu beeinflussen, die sich jetzt neuen und sich entwickelnden Themen und Themen widmen.
Der Minimalismus und Realismus, für den sich Bergmans eindringliche Geschichten einsetzen, zeigt sich in verschiedenen Inkarnationen im Trend der schwedischen Komödie und des schwedischen Melodramas der 1980er Jahre und in der jüngsten Flut schwedischer Horror- und Thrillerfilme. Der äußerst beliebte Kulthit Let the Right One In (Låt den rätte komma in, 2008) von Tomas Alfredson ist ein perfektes Beispiel für die Vermischung von Realismus und moderner schwedischer Beschäftigung mit dem Horror- und Fantasy-Genre. Zurückhaltende Schauspielleistungen, minimalistisches Drehbuchschreiben, unauffällige Kinematografie und eine gedämpfte, gedämpfte Farbpalette lassen die intensive Ehrlichkeit menschlicher Emotionen in einer tief bewegenden Geschichte von Einsamkeit und Liebe durchscheinen.
Lukas Moodysson, der vielleicht beliebteste der modernen schwedischen Regisseure, beeindruckte Cinephiles erstmals mit seinem 1998 erschienenen Spielfilm Show Me Love (Fucking Åmål), der in seiner dreisten Darstellung einer lesbischen Liebesbeziehung zwischen zwei Teenagern für einfachen Realismus und emotionale Ehrlichkeit gelobt wurde eine kleine schwedische Stadt. Zu einer Zeit, als die Mehrheit der Welt Homosexualität noch als Tabuthema betrachtete, schufen sozial fortschrittliche schwedische Künstler bewegende und subtile Hommagen an die Schwierigkeiten der Liebe in all ihren Formen. Moodysson folgte einem Erfolg mit dem anderen und veröffentlichte Together (Tillsammens, 2008), eine Geschichte einer kleinen, funktionsgestörten Hippie-Gemeinde im Stockholm der 1970er Jahre. Moodysson unterscheidet sich deutlich von Bergmans oft statischem Kamerastil und verwendet offene Zooms sowie abrupte Tracking- und Schwenkfunktionen, um die hektische Umgebung des überfüllten und unkonventionellen Hauses widerzuspiegeln. Weit davon entfernt, die Ehrlichkeit und den Realismus der Geschichte zu beeinträchtigen, betont die explizite ästhetische Technik die äußerst emotionalen Schauspielleistungen, während Charaktere gleichzeitig mit der aufgeladenen politischen Atmosphäre einer sich verändernden Welt und den emotionalen Turbulenzen von Liebe und Verlust kämpfen, während selbst die Erwachsenen sie lernen sind ständig im Prozess des "Erwachsenwerdens".
Es ist nicht überraschend, dass diese thematischen Tendenzen von Realismus, Einfachheit und Ehrlichkeit seit Beginn von Bergmans Zeit Bestand haben, denn die sehr ästhetischen Mittel, die er der Welt und dieser Fanfare vorstellte, sind auf natürliche Weise aus der schwedischen Kultur hervorgegangen: der hohe Stellenwert über das Familienleben, ein starkes Gefühl für soziale Gerechtigkeit und Gleichheit, die gegenseitige Abhängigkeit von Menschen und ihrer Umwelt und eine lutherische Düsterkeit, die eine intensive Freisetzung verborgener Emotionen anzeigt. In den letzten Jahren haben Moodysson, Alfredson und viele andere moderne schwedische Regisseure begonnen, eine Vielzahl von ästhetischen Techniken in einer Vielzahl von Genres anzuwenden, die populäre Trends einer starken und sich ständig weiterentwickelnden Jugendkultur in Schweden berücksichtigen. Doch wie bei Bergman spiegeln die zugrunde liegenden Themen und Werte ihrer Filme eine reiche Geschichte des Kinos wider, die die Kultur Schwedens selbst zu verkörpern scheint. In einer Gesellschaft, die oft als schüchtern und zurückhaltend angesehen wird, deutet die tiefe emotionale Intensität, die im schwedischen Kino vorherrscht, stark darauf hin, dass stilles Wasser wirklich tief ist, und der herzliche und offene Empfang, der jeden erwartet, der sich wirklich in die schwedische Kultur eintauchen möchte, wird niemals enttäuschen.
