Wenn wir uns weiter in die moderne Welt hineinbewegen, ist es wichtig, über die Kunst und Kultur eines Volkes nachzudenken, das vor unserer Zeit aus einem Amerika stammt. Die Geschichte der amerikanischen Ureinwohner spiegelt persönliche, ethische und soziale Kämpfe wider. Zu Ehren des Seneca Kunst- und Kulturzentrums an der einst zerstörten Ganondagan State Historical Site in Victor, New York, sind hier 13 indianische Künstler, die Sie kennen sollten.
Kunst der amerikanischen Ureinwohner im pazifischen Nordwesten © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Nampeyo („Schlange, die nicht beißt“) wurde im Alter von 20 Jahren als eine der besten Hopi-Töpferinnen anerkannt und perfektionierte das von ihrer Großmutter erlernte Handwerk, indem sie recycelte Tonscherben als Grundmaterial verwendete. Ihre fein konstruierte Keramik zeigte einen Stil, Präzision und Haltbarkeit, die nur wenige nachbauen können. Nampeyo ist bekannt für Designs mit einer als polychrom bekannten Technik, bei der viele leuchtende, lebendige Farben wie Rot, Braun, Gelb und tiefes Schwarz verwendet werden, die mit einem gekauten Yucca-Blatt bemalt sind. Ihre Keramik hatte ein kompliziertes und natürliches Motiv mit geometrischen Figuren, kombiniert mit Bildern von Tieren und Gesichtern, die dann mit einer Brenntechnik aus dem 15. Jahrhundert verewigt wurden.
Ernie Pepion
Ernie Pepions persönliche Geschichte und sein Triumph über Widrigkeiten sind mindestens so großartig wie seine Kunst. Als Mitglied des Blackfeet Tribe verbrachte Ernie Pepion den größten Teil seines Lebens als Rancher und Rodeo-Fahrer. Er absolvierte mehrere Dienstreisen in Vietnam, war jedoch 1971 leider in ein schweres Autowrack verwickelt, das ihn als Tetraplegiker in einen Rollstuhl verwies. Während er sich in einem Krankenhaus erholte, wurde ihm von einem anderen Patienten das Malen mit einer motorisierten Staffelei und einer Orthese für Hand und Unterarm beigebracht. Ernie Pepion diente als Inspiration für die Überwindung körperlicher Herausforderungen und war Gegenstand eines Dokumentarfilms namens Ernie Pepion: Die Kunst des Heilens.
Der Inder © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Pirol)
Nur wenige wissen vielleicht, dass die Arbeit von Ma-Pe-Wi fast jeden Tag von vielen Amerikanern im ganzen Land gesehen wird. Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera stammt ursprünglich aus dem Stamm der Zia Pueblo in Santa Fe, New Mexico. Sie erhielt keine formale Kunstausbildung und konnte sich dennoch zu einem der produktivsten Maler des 20. Jahrhunderts entwickeln. Seine abstrakten Entwürfe zeigen oft Darstellungen des Pueblo-Alltags und zeremonielle Tänze. Ma-Pe-Wi ist auch bekannt für seine Verwendung von Leachina, einem Geist der Dinge in der realen Welt, der tief in der Pueblo-Kultur verwurzelt ist. Obwohl Wi ursprünglich von seinem eigenen Stamm kritisiert wurde, erteilte er dem Bundesstaat New Mexico die Erlaubnis, seine Neuschöpfung der Zia-Sonne zu verwenden, die jetzt die Staatsflagge schmückt.
Parr
Obwohl seine Drucke an der Oberfläche eher simpel erscheinen mögen, drücken Parrs Entwürfe nicht nur die Essenz der kanadischen Inuit-Kultur aus, sondern sind eine Transformation seines eigenen Lebens in Kunst. Parr lebte den größten Teil seines Lebens nomadisch und seine Arbeit spiegelt das Gleichgewicht der Bewegung zwischen Mensch und Natur wider. Diese unverwechselbaren Designs heben Szenen hervor, die die Erhaltung des Lebens durch Jagd, Fischerei und Menschen gegen die Elemente symbolisieren. Parrs Werk hat auch eine spirituelle Qualität, die sich in seiner Verwendung alter schamanischer Themen widerspiegelt. Seine Arbeit Hunters of Old wurde schließlich 1977 auf einer kanadischen Briefmarke verewigt.
Lucy M. Lewis
Lucy M. Lewis wird oft als Pablo Picasso der Töpferei bezeichnet und begann im Alter von acht Jahren in ihrem Haus in Acoma, New Mexico, mit der Töpferei. Ihre Verwendung von feinen Linien zeigt ein ausgeprägtes Gleichgewicht zwischen Handwerkskunst, Präzision und Symmetrie. Trotz ihrer Fähigkeiten und künstlerischen Fähigkeiten hatte Lewis keine formale Ausbildung und war größtenteils Autodidakt. Sie wurde 1977 ins Weiße Haus eingeladen und unterhält eine ständige Sammlung im Smithsonian Museum in Washington DC. Während ihres gesamten Lebens und ihrer Arbeit erhielt Lewis mehrere bedeutende Auszeichnungen, darunter den New Mexico Governor's Award für herausragenden persönlichen Beitrag und die Anerkennung durch das American Crafts Council College Art Association.
Sammlung von ca. 25 Stücken indischer Pueblo-Keramik aus (?) Der Sammlung von Reverend Dr. George Cole, ca. 1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook war ein Mann, der wirklich zu den Elementen der Natur gehörte. Obwohl er ein Tintenbildhauer und Grafiker des 20. Jahrhunderts war, lebte er den größten Teil seines frühen Lebens auf Reisen von Iglus im Winter zu Rasenhäusern im Sommer. Als autodidaktischer Künstler erkennt seine Arbeit oft den Übergang vom traditionellen Leben der amerikanischen Ureinwohner zur modernen Existenz an. Pootoogooks Arbeit zeigt auch eine klare Einheit und Wertschätzung für die Verbindung zwischen Mensch und Natur. Seine Drucke spiegeln Tiere wider, die menschenähnliche Eigenschaften imitieren, und umgekehrt, und zeigen die Gleichheit des Zusammenlebens zwischen Mensch und Tier. Bei den Olympischen Winterspielen 2010 in Vancouver wurde unter anderem eine Ausstellung seiner Arbeiten gezeigt.
Bob Haozous
Am bekanntesten ist, dass Bob Haozous feststellt, dass der Mensch nicht von der Natur getrennt ist, sondern ein Teil davon. Haozous 'Arbeit stellt eine Herausforderung für die westliche Philosophie dar, die das einheimische Denken überholt. Obwohl er in der Marine der USS Frank Knox in Vietnam diente, vergaß Bob Haozous nie seine Apache-Herkunft in seinem Kampf gegen Rassismus und Marginalisierung des indianischen Volkes. So stark seine Überzeugung auch war, seine Arbeit spiegelt auch eine humorvolle Sicht auf soziale und ökologische Sichtweisen wider. Die Gemälde und Skulpturen von Bob Haozous können national und international an Orten wie dem Apache Holocaust Memorial am Dartmouth College und dem West Phalian State Museum in Deutschland besichtigt werden.
Kunst der amerikanischen Ureinwohner im pazifischen Nordwesten © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
Die unverwechselbare Mixed-Media-Kunst von Juane Quick-to-Sea Smith verkörpert sowohl ihre indianische Kultur als auch ihre unruhige Kindheit. Von ihrer Mutter verlassen, verbindet Smith ihre persönlichen Herausforderungen mit der Herausforderung, die Mythen und Stereotypen der amerikanischen Ureinwohner zu überwinden. Jede ihrer einzigartigen Mischungen aus Malerei, Bildern und Text erzählt eine individuelle Geschichte persönlicher Widrigkeiten und der Notwendigkeit, den Status Quo zu zerstören. Ihre Arbeiten sind im Smithsonian in Washington DC, im Whitney Museum und im Museum of Modern Art weit verbreitet. Zu Smiths vielen Auszeichnungen gehörte ihr Lifetime Achievement Award vom Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Seine kraftvollen und auffälligen Holzschnitzereien geben dem Betrachter einen tiefen Einblick in die Kwakwakawakw-Kultur im pazifischen Nordwesten Kanadas. Calvin Hunts handgeschnitzte Totempfähle, Masken und Tanzoutfits sind aus roter Zeder geformt. Seine Verwendung von lebendigen roten und blauen Farben erweckt seine Darstellungen von Tieren und Menschen mit einem unverwechselbaren Maß an Realismus und kraftvollen Bildern zum Leben. Calvin Hunts Werk soll die Welt durch eine symbolische Vereinigung von Tier und Legende zeigen. Seine bemerkenswerte Arbeit ist so stark und direkt, dass er eine eigene Galerie an der Royal Academy of Arts in British Columbia besitzt.
Julia Jumbo
Julia Jumbo gilt als eine der besten Wandteppichweberinnen der Navajo, die je gelebt haben. Sie ist bekannt für ihre komplizierten Designs, gepaart mit höchster Präzision. Jumbo ist am besten für ihre Verwendung der Gänseblümchengrenze bekannt, die von einer legendären Weberin namens Daisy Taugelchee abgeleitet wurde. Ihre Wandteppiche sind mit handgeraden Linien und symmetrischen Mustern fein verarbeitet, umgeben von markanten schwarzen und weißen Rändern. Sie nutzte ihr Talent zum Weben als Mittel zur Überwindung ihrer Kindheitskämpfe sowie als Spiegelbild sowohl der persönlichen als auch der sozialen Ordnung.
Kunst der amerikanischen Ureinwohner © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Sie hat sicherlich einen einzigartigen Hintergrund. Jane Ash Poitras wurde ursprünglich zur Mikrobiologin ausgebildet, fühlte sich jedoch als Künstlerin und Malerin für gemischte Medien berufen. Als Teil der Dada-Bewegung (Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts) suchte Poitras ihre Stärke darin, die Ursprünge ihrer Cree-Abstammung (größte Gruppe amerikanischer Ureinwohner) darzustellen. Ihre Arbeit ist am bekanntesten für ihre produktiven Bilder von heiligen Symbolen der amerikanischen Ureinwohner wie dem Adler. Als Christin enthält ihre Arbeit jedoch auch ein starkes spirituelles Element, das sich in Jesus, Maria und Joseph zeigt. Poitras 'Kunst wird oft als Herausforderung für die erzwungene Assimilation der Kultur der Aborigines angesehen.
Faye HeavyShield
Mit einer Kombination aus Spiritualität und Feminismus wurde Faye HeavyShield eine der führenden Installationskünstlerinnen dieses Jahrhunderts. Die gebürtige Kanadierin aus Alberta ist berühmt für ihre Transformation der Flächenwahrnehmung und des Raums durch die wiederholte Verwendung von Objekten. Der Symbolismus, der als Charakterisierung der Macht der Frauen in der modernen Kultur verwendet wurde, brachte sie an die Spitze der kanadischen feministischen Bewegung. Faye HeavyShields Verwendung von Farbe verleiht ihrer Arbeit eine kraftvolle humanistische Qualität, und ihr Spiritualismus spiegelt sich in ihrer wiederkehrenden Verwendung des Wimple (Kopfschmuck, der von Nonnen getragen wird) als Thema der Verbindung von Frauen zu Gott wider.
