Während sich die bahrainische Malerin Faika Al Hassan auf das Universum einer Stadt vorbereitete - ihre Ausstellung 2010, in der es um die ständige Mobilität von Menschen ging, die Sicherheit und Gewissheit suchen -, begann sie mit der Arbeit an einem Gemälde, das den Grundstein für ihr späteres Bestreben legte. Arie Amaya-Akkermans befasst sich mit der Entwicklung und Inspiration ihrer Serie Not Entirely Red.
Faika Al Hassan, Ohne Titel, von Not Entirely Red, 2010
Die kreisförmige Bewegung von Faika Al Hassans Pinsel in Bewegung und die roten Farben, die sie beim Malen des Universums einer Stadt verwendete, erinnerten den Künstler an das Fez, den traditionellen marokkanischen Hut osmanischen Ursprungs. Entweder als Kegelstumpf oder als kurzer Zylinder geformt, besteht es entweder aus rotem Filz oder Kelimgewebe und ist untrennbar mit seiner Heimatstadt Fes, aber auch mit ganz Marokko verbunden. "Ich begann mich an meine Erinnerungen an Kairo zu erinnern und wie fasziniert ich von dem Fez war, das ich bei Khan El Khalili oft gesehen habe", sagt Al Hassan.
Der große Souk im islamischen Viertel von Kairo, der Khan El Khalili, stammt aus dem 14. Jahrhundert und bietet den perfekten Rahmen für die Visualisierung des zeitgenössischen Nahen Ostens. Es wurde in Naguib Mahfouz 'Roman Midaq Alley von 1947 gefeiert und ist geprägt von wilder Erotik, Unruhe, einem Zustand permanenter Wachsamkeit und der Melancholie einer vergangenen Hälfte, die zur Hälfte vergangen ist und zur Hälfte nicht passieren kann. Bemerkenswert ist auch hier die Geschichte des Fez als singuläres Objekt. Es wurde erstmals im 17. Jahrhundert von den Mauren in Fes in Mode gebracht und später 1826 in das Osmanische Reich eingeführt, um den traditionellen Turban zu ersetzen. Von seiner ursprünglichen Verwendung im Zusammenhang mit dem osmanischen Militär verbreitete sich das Fez im gesamten Imperium und darüber hinaus, unter anderem in Zypern, Griechenland, auf dem Balkan sowie in muslimischen Gemeinden in Südasien.
Wie der Künstler bemerkt: „Früher wurden sie als Zeichen des Respekts getragen
Die Idee des Fez "verfestigte sich", als ich letztes Jahr meinen besten Freund in Damaskus besuchte. Ich beauftragte den besten Handwerker der Branche, ungefähr 120 Fez-Stücke im traditionellen Stil herzustellen und dann jedes mit der weißen festen Farbe zu bedecken, die gemahlen wurde, um die Leinwand zu bedecken. Dies alles geschah vor dem Aufstand in Syrien und als Ergebnis unzähliger Experimente und Tests. Alle Stücke wurden mir dann zugesandt, und so begann ich die Reise meiner Ausstellung mit dem Titel Not Entirely Red. '
Al Hassan malt Objekte - in diesem Fall die Darstellung des Fez in Gemälden und das Malen auf Fezzen - nicht so, dass sie als bloße Verzierungen dienen, sondern mit der Absicht, die sie umgebenden Räume zu interpretieren und zu verstehen. Als die Künstlerin, von Beruf eine in Bagdad ausgebildete Wirtschaftswissenschaftlerin, Malunterricht bei der Bahrain Arts Society nahm - der übliche Weg für bahrainische Künstler, wenn es keine richtige Kunstschule gibt -, begann sie mit den traditionellen Genres der Malerei (dh Stillleben) zu experimentieren und Landschaft) in der arabischen Welt gelehrt. Seit Hidden, ihrer ersten Einzelausstellung 2007 in der Albareh Gallery, hat sie jedoch einen besonders einzigartigen Stil entwickelt. Es ist neu in seiner Verwendung von Symbolik, liegt irgendwo zwischen expressionistisch und abstrakt, behält aber dennoch eine figurative Qualität in der Verwendung von zarten Linien und Formen. Solche Elemente enthüllen ihre wahren Formen und bringen Archetypen, Alltagsgegenstände und Gedanken in den Vordergrund, anstatt nur Bilder.
Faika Al Hassan, Ohne Titel, von Not Entirely Red, 2010
Der traditionelle Bildraum verblasst und löst sich in Al Hassans Gemälden auf, in einer Geste, die manchmal an die Textur von Stoff, impressionistischen Landschaften und einer fotografischen Montage erinnert. Die kleinen Menschen, die im Universum einer Stadt erschienen sind, tauchen in ihrer Untersuchung, wie Menschen die Räume gestalten, in denen sie leben, und nicht im Gegenteil wieder in Not Entirely Red auf. Die Künstlerin gibt zu, dass ihre „Figuren“ völlig abstrakt und symbolisch sind, und wenn man sie beobachtet, kann man eine klassische, miniaturistische Tendenz erkennen. 'Das waren kleine Figuren, die diejenigen darstellten, die in der Poesie erwähnt wurden. Ich habe meinen eigenen Stil verwendet und wurde vielleicht unbewusst von diesen Miniaturen beeinflusst, da ich ein begeisterter Leser von Gedichten bin.
In Bezug auf das Verschwinden des "Bildraums" in der modernen Malerei bemerkt der französische Philosoph Michel Foucault unter Bezugnahme auf das Werk des impressionistischen Malers Manet:"
Er [Manet] machte ein gegenständliches Spiel der grundlegenden materiellen Elemente der Leinwand. Er erfand daher, wenn Sie so wollen, das "Bildobjekt", das "Malobjekt", und dies war zweifellos die Grundbedingung, damit wir eines Tages endlich die Repräsentation selbst loswerden und Raum lassen konnten, mit ihr zu spielen reine und einfache Eigenschaften, seine Materialeigenschaften. '
Der Raum auf der zweidimensionalen Oberfläche eines Gemäldes ist jene optische Täuschung, die von der Bildebene rückwärts in die Tiefe zurückzutreten scheint. Seit dem italienischen Quattrocento im 15. Jahrhundert, als der Bildraum formell auftauchte, war es Tradition, den Betrachter vergessen zu lassen, dass der in eine zweidimensionale Oberfläche eingeschriebene dreidimensionale Raum genau das war: ein in einen materiellen Raum eingebettetes Fragment. Diese optische Täuschung wurde durch ein regelmäßiges Licht erreicht, das aus der Leinwand kam und auf einer monokularen Perspektive beruhte, die das menschliche Auge zum Zentrum des Gemäldes machte.
Eine Veränderung kam bei Cézanne und Manet zustande, als Maler begannen, mit der Materialität des physischen Raums zu arbeiten und von dieser abhängig zu sein, anstatt mit einem perfekt geschlossenen Raum mit festen Lichtpunkten. „Was ich suche, Sofortigkeit
Das gleiche Licht breitete sich überall aus, das gleiche Licht, das gleiche Licht “, bemerkte Claude Monet 1890. Schließlich kam dieser Prozess vollständig mit der Erkenntnis zustande, dass es nach den Worten des Philosophen Maurice Merleau-Ponty„ unmöglich wird, genau zu unterscheiden zwischen Raum und Dingen im Raum '. Der Raum wurde nicht mehr nur als Oberfläche konzipiert, sondern als ein Feld, das das gesamte physische Universum umfasste; und das so begrenzte menschliche Auge schien ein so ungeeignetes Gerät zu sein, um es vollständig zu vermessen.
Objekte in einer Welt neuer, erweiterter Visionen zu malen, wurde zu einer Praxis, die nur langsam zustande kam und wenig mit dem Stillleben der klassischen Welt oder den niederländischen Malern des 17. Jahrhunderts zu tun hatte. Dies liegt daran, dass in diesen Gemälden Objekte nicht Teil von Kompositionen waren, sondern eigenständige Figuren mit einem Prinzip der Selbstreferenz. Die Frage war, wie man ein Objekt isoliert malt. Wie würde das Leben aussehen? Suspendiert? Fest? An etwas gebunden? Merleau-Ponty besteht darauf, dass Gemälde zwar der Welt und den Objekten darin ähneln, aber nicht dazu gedacht sind, die Welt darzustellen oder zu ähneln; Vielmehr sollten sie als eigene Welten stehen.
Faika Al Hassan, Ohne Titel, von Not Entirely Red, 2010
Die kleinen Objektwelten, die in den Stücken von Al Hassans Not Entirely Red immer wieder auftauchen, spiegeln die Gleichzeitigkeit von Gedanken wider, die von Objekten geformt werden, und Objekten, die von Gedanken geformt werden. Das Fez ist hier nicht nur ein Objekt, sondern etwas, das vollständig in den Raum eingetaucht ist, in dem es zufällig erscheint - ein Spiegel des Denkens und des Widerspruchs; und ist der Widerspruch nicht die Grundlage für alles, was reich an menschlichem Denken ist? Das gemalte Fez spiegelt wider, was wir sehen würden, wenn man durch eine Geste, die so mühelos ist wie das Aufdecken des Kopfes, in die Gedanken eines Menschen blicken könnte. Diese Gedanken erscheinen jedoch in einer Welt von gemeinsamer Bedeutung, in der wir zusammen mit anderen existieren - das sind die kleinen Figuren, die Al Hassans Gemälde charakterisieren. „Sie bewegen sich entweder zusammen in einer Gruppe oder in verschiedene Richtungen, was bedeutet, dass sie möglicherweise nicht dieselben Meinungen oder Ansichten teilen. In meinen Träumen frage ich oft, warum Menschen nicht friedlich zusammenleben “, sagt sie.
Hier gibt es keinen reinen Raum, der aus der Ferne gesehen oder beurteilt werden kann; Vielmehr muss man in das Gemälde eintauchen, um bloße Ähnlichkeit oder Darstellung - einer Frau, Landschaft, Hut, irgendetwas - durch das Gefühl seiner gelebten Erfahrung zu ersetzen: die Erfahrung einer unvollendeten Welt. Gleichzeitig scheint es jedoch wenig oder gar keine Willkür in ihrer Arbeit zu geben. Die sehr großformatigen Gemälde - von denen einige bis zu vier Meter hoch sind - sind zusammenhängende Kompositionen in gleichmäßigen Strichen.
Im Nahen Osten - und insbesondere im Golf - ist es eine Seltenheit, dass eine Malerin die gesamte Reise von Landschaft und Stillleben zu expressionistischen und abstrakten Stilen vollendet, und obwohl sie nicht die einzige Malerin ihrer Art in Bahrain ist In Gesellschaft von so angesehenen Künstlern wie Rashid Al Khalifa, Balqees Fakhro und Omar Al Rashid zum Beispiel bleibt zeitgenössische Kunst aus dem winzigen Inselreich weitgehend unausgesprochen.
Moderne Gemälde sind wie ein Feld von Objekten, die sich jeweils nur einem nähern und deren Gesamtheit wahrscheinlich nicht auf einen Blick verdaut werden kann. Gemälde erfordern viele Augen, viele Perspektiven, viele Details und Assoziationen, die tiefere Beziehungen tragen. Dies sind die Bilder von Faika Al Hassan, die als unvollendete Werke erscheinen und in dem Moment geboren werden, in dem sie betrachtet werden. Mit den Worten von Merelau-Ponty: "Essenz und Existenz, imaginär und real, sichtbar und unsichtbar - die Malerei verwischt alle unsere Kategorien und verbreitet vor uns ihr träumerisches Universum fleischlicher Essenzen, wirksamer Ähnlichkeiten, gedämpfter Bedeutungen".
Von Ari Amaya-Akermann
Ursprünglich in ReOrient veröffentlicht
